A Revista Vórtex (ISSN 2317–9937 – Qualis A1) é um periódico online, de acesso aberto, dedicado à música e editado em parceria com o Programa de Pós-graduação em Música (PPGMUS) da Universidade Estadual do Paraná (UNESPAR), Brasil. A Revista Vórtex publicou seu primeiro número em 2013, e desde então consolidou política editorial de excelência, sendo indexada internacionalmente, com estrato A1 na avaliação do Qualis Capes.
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EDITORIAL – DOSSIÊ “MÚSICA E MULHERES”
Copyright (c) 2025 Luciana Requião, Inês de Almeida Rocha https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A mulher e a guitarra em Portugal: Processo de catalogação
O texto apresenta o processo de uma investigação que pretendeu recolher, catalogar e divulgar o trabalho composicional elaborado por mulheres nascidas ou residentes em Portugal e direcionado à guitarra clássica (violão), desde o ano 1950 até ao ano 2022. Como tal, serão elencados e comentados os catálogos e bases de dados existentes, bem como outras fontes relevantes para a recolha de repertório. O catálogo compilado, produto final da investigação, será devidamente descrito de modo que seja possível compreender a sua organização e o motivo da distribuição temporal realizada. Para concluir, será feito um balanço das informações presentes na fonte de consulta resultante da pesquisa.
Copyright (c) 2025 Beatriz Oliveira, Pedro Rodrigues https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As mulheres na prática da mbira em Moçambique: rompendo barreiras marcadas pelo gênero
Este artigo avalia a contribuição das mulheres na prática da mbira em Moçambique na contemporaneidade, rompendo as barreiras históricas estabelecidas pelo gênero. Sob as lentes pós-coloniais e decoloniais, analisam-se trabalhos da etnomusicologia que ausentam as mulheres na prática da mbira, devido: a demonização da prática de mbira na África; a atribuição de maior autoridade aos homens;a proibição de mulheres menstruadas de comparecer em cerimônias espirituais; a masculinização da mbira; e a objetificação de mulheres para satisfação sexual. Com base nas histórias orais, entrevistas, observações, notas de campo, pesquisa bibliográfica e registros fotográficos constatou-se que as mulheres, foram apenas subjugadas, mas não derrotadas – suas ações renascem uma perspectiva africana na contemporaneidade. Elas, como cantautoras, trazem suas vivências e visões para o centro do discurso seja na composição, na construção, na execução ou na reverberação da mbira. O seu protagonismo desnaturaliza estereótipos canônicos da prática e pesquisa da mbira. A luta continua.
Copyright (c) 2025 Micas Orlando Silambo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Mulheres na percussão: uma investigação de compositoras e obras na América Latina e Caribe
Este artigo é resultado de uma pesquisa que realizou um levantamento de obras para percussão orquestral solo de mulheres latino-americanas e caribenhas. Além de inventariar, localizar e catalogar as obras, refletimos sobre a invisibilidade e ausência de compositoras mulheres no repertório canônico da música de concerto. Almejamos facilitar o acesso às obras das compositoras latino-americanas e caribenhas e contribuir para a superação da desigualdade de gênero na área de Música. A pesquisa é qualitativa e sua metodologia é exploratória, recorrendo a diversas fontes como acervos digitais, periódicos, bibliotecas e contato direto com compositoras, editoras e percussionistas. O trabalho dialoga com a literatura sobre música e mulheres, deparando-se, a partir disso, com duas questões: a invisibilidade das mulheres como compositoras na história da música e as dificuldades enfrentadas por mulheres nas práticas musicais, especificamente na área de percussão.
Copyright (c) 2025 Juliane Larsen, Camila C. Cardoso https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Tecnologias da escuta sensível: uma metodologia feminista e decolonial para a música
Este artigo apresenta a escuta como parte de uma metodologia feminista e decolonial, que também discute a produção e a criação sonora, e apresenta os diálogos e os diários criativos como ferramentas de processo. A partir de bell hooks e Suely Rolnik, entre outras, a ideia de escuta emerge como algo sensível e relacional, incentivando a invenção de mundos e a pulsão vital.
Copyright (c) 2025 Isabel Porto Nogueira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Uma mulher de destaque na filosofia da música: Susanne K. Langer e o problema da significação artístico-musical
No campo da estética musical, constata-se a presença de notáveis autoras mulheres, negligenciadas por histórias da filosofia e da música prioritariamente masculinas. Dentre elas, encontra-se a filósofa estadunidense Susanne K. Langer, que aponta o símbolo, em seus diversos tipos, como o modo de significação propriamente humano. Concentrando-se na estética da autora, este artigo examinará especificamente os símbolos apresentativos da música e da arte em geral. A fim de compreender de que modo e quais conteúdos tais símbolos são capazes de expressar, será necessário, inicialmente, identificar os pré-requisitos lógicos, segundo Langer, para toda a expressão. Num segundo momento, será analisada a expressão musical, seus particulares pré-requisitos lógicos e sua significação, pela qual pode se projetar o discursivamente inexprimível. Por fim, será verificado de que maneira Langer aplica sua conclusão sobre a música às demais modalidades artísticas em sua estética, que, por sua abrangência e acuidade, mereceria ser mais reconhecida.
Copyright (c) 2025 Clovis Salgado Gontijo, Mauro Miguel de Araújo Teixeira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pra Matar Preconceito Eu Renasci: duas vozes negras femininas em um bloco comunista
O presente artigo trata de um bloco carnavalesco carioca chamado Comuna Que Pariu! Organizado pelo Partido Comunista Brasileiro, o bloco teve, entre 2013 e 2020 (período abordado no texto), duas mulheres negras como puxadoras. Propondo uma discussão sobre as representações femininas negras no carnaval e o papel das mulheres nas escolas de samba (principal referência do bloco), apontamos para a importância de um bloco como esse ter essas duas cantoras como suas principais vozes.
Copyright (c) 2025 Thiago de Souza Borges, Samuel Araújo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
BatuCantada: Mulheres na percussão subvertendo o patriarcado musical
Este artigo explora o coletivo BatuCantada, primeiro bloco de carnaval e grupo de percussão formado exclusivamente por mulheres em Pelotas (RS), destacando sua atuação como espaço de resistência e empoderamento feminino. O grupo promove a inclusão de mulheres na percussão e valoriza a cultura afro-brasileira, especialmente por meio do tambor de Sopapo, símbolo de resistência do povo negro no sul do Rio Grande do Sul (Batista, 2021; Maia, 2008). Ao abordar as dinâmicas de patriarcado musical, que marginalizam e objetificam as mulheres na música (Camargo, 2020; Green, 2001), o artigo analisa como o BatuCantada contribui para a luta pela equidade de gênero, promovendo o reconhecimento das mulheres na percussão. O coletivo também fortalece o empoderamento feminino e da comunidade LGBTQIAPN+ por meio de oficinas, eventos e parcerias com escolas de samba, ampliando o espaço de atuação e visibilidade para mulheres no contexto musical e cultural.
Copyright (c) 2025 Vanessa Ramos de Oliveira Souza, Denise Marcos Bussoletti https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Mulheres sambistas: mundo do trabalho, vivências coletivas e políticas culturais
O Movimento das Mulheres Sambistas (RJ) e o Coletivo Mulheres no Samba (SE) são duas experiências gregárias que, em diferentes lugares do país, se dedicam ao desenvolvimento e promoção das potencialidades femininas no samba. A partir da análise das trajetórias e dos modos de vivência coletiva das organizações, o artigo investiga como incidem no campo das políticas culturais buscando melhores possibilidades de atuação profissional. Considerando a perspectiva feminista negra interseccional, ressaltamos como raça, classe, gênero, idade e pertença territorial influenciam as possibilidades de aglutinação e as posições sociais das sambistas no mundo do trabalho. Com ênfase ao estudo do quadriênio 2020 e 2024, percebemos que a coletividade favorece que as mulheres do samba se reconheçam como trabalhadoras da música e como agentes políticas no campo da cultura.
Copyright (c) 2025 Laila Andresa Cavalcante Rosa, Julia Ricciardi Lima, Rayra Mayara Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
É canto negro: orgulho no samba e nas trajetórias de Dona Ivone Lara e Tia Doca da Portela
O samba é uma manifestação artística que se mantém como importante traço cultural brasileiro, possuindo em sua gênese, essencialmente, aspectos inerentes a população negra. As mulheres por muito tempo foram silenciadas e alijadas do contexto sambista, mesmo o gênero ter sido gestado em tantos quintais e terreiros de donas e tias do samba. Com isso, este trabalho vai ao encontro de dois grandes nomes do samba brasileiro: Dona Ivone Lara e Tia Doca da Portela para estimular ainda mais reconhecimento e refletir a respeito dos padrões patriarcais que ainda permeiam a cultura nacional. Assim, é imperativo investigar a produção destas mulheres, representada em suas interpretações e composições afim de verificar as vozes que ecoam não apenas suas artes, mas suas ancestralidades e o direito à liberdade dentro da arte contemporânea. Para tanto, utiliza-se um percurso metodológico que explora a musicalidade, sonoridade e as letras das canções em análise.
Copyright (c) 2025 Denise Santiago-Figueiredo, Ana Paola Laeber https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Uma análise das condições de trabalho das cantoras negras e indígenas da música baiana
Este artigo investiga a condição das cantoras negras e indígenas na economia da música baiana, explorando dinâmicas laborais que caracterizam suas trajetórias. O objetivo é compreender como o racismo e o sexismo afetam a carreira dessas artistas, destacando a interseccionalidade entre gênero, raça e classe social. A pesquisa utilizou um questionário online com 59 perguntas, distribuídas em seis dimensões analíticas: perfil da respondente, carreira musical, perfil ocupacional, percepções de raça e gênero, fluxos migracionais e perfil socioeconômico. Foram entrevistadas 149 cantoras negras e indígenas do estado. Os resultados revelam que a maioria das cantoras possui longa experiência na música, mas enfrenta dificuldades financeiras e falta de suporte profissional. As principais barreiras identificadas incluem a falta de recursos financeiros, de tempo para investir na carreira e de acesso a redes de apoio. A pesquisa conclui que estas cantoras enfrentam desafios no mercado musical baiano, necessitando de políticas públicas mais efetivas.
Copyright (c) 2025 Júlia Melo Salgado, Daniele Pereira Canedo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A potência terapêutica da música de mulheres negras: perspectivas para a clínica
O presente artigo busca investigar o uso da música composta e/ou interpretada por mulheres negras brasileiras como uma ferramenta terapêutica na prática clínica racializada. Realizou-se uma análise qualitativa das composições musicais Acalanto, de Luedji Luna, e Povoada, de Sued Nunes, investigando elementos essenciais para a saúde mental do povo negro, como a construção da identidade negra, pertencimento, aquilombamento e ancestralidade presentes nas composições, além de reflexões sobre como esses exemplos podem ser utilizados em intervenções clínicas. Foram utilizadas referências interdisciplinares a fim de aprofundar as discussões sobre a intersecção entre música, saúde mental e mulheres negras. Os resultados destacaram que as músicas analisadas permitem questionar papéis históricos atribuídos a mulheres negras, atuando como meio de expressão, resistência e ressignificação de trajetórias de vida. Estudos futuros podem se concentrar em análises de outras músicas que dialoguem sobre as diversas opressões sociais que afetam as mulheres.
Maylla Monnik Rodrigues de Sousa Chaveiro
Copyright (c) 2025 Sara Santos Dias Costa, Maylla Monnik Rodrigues de Sousa Chaveiro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Compositoras e cantoras negras – experiência estética e representatividade na música
Neste artigo, trazemos parte das discussões de uma pesquisa de doutoramento em que buscamos compreender como artistas negras (Dona Ivone Lara, Elza Soares, Leci Brandão e Bia Ferreira) produzem e expressam experiências estéticas de mulheres negras na música. Para tanto, valemo-nos das teorizações de bell hooks (2021), Oliveira (2012) e Prandi & Pierucci (1996), partindo da premissa de que o artístico pode ser considerado como possibilidade de realização de experiência estética. Tendo o amor, a ancestralidade e a religiosidade como eixos principais, as compositoras e cantoras constroem novas bases de ressignificação para o feminino negro em suas canções, tematizando especialmente o cuidado, a coragem e o direito aos afetos.
Copyright (c) 2025 Gisele Massola, Michele Castro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Leonor de Castro: a primeira professora do Conservatório de Música do Rio de Janeiro
Este trabalho é uma análise da vida e atuação de Leonor Tolentina de Castro, ex-aluna e primeira professora do Conservatório de Música do Rio de Janeiro (1866-1890). O objetivo principal foi visibilizar a sua trajetória profissional e os objetivos específicos foram analisar as contribuições de sua atuação para a formação profissional feminina e compreender aspectos da profissionalização docente em música no Rio de Janeiro oitocentista. Foi construída uma narrativa histórico documental, utilizando-se como fontes periódicos da Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional, registros do site FamilySearch, documentos institucionais do Museu D. João VI e uma fotografia localizada na Biblioteca Alberto Nepomuceno, ambos da UFRJ. Como referenciais, foi utilizada uma abordagem microhistórica, os conceitos de interseccionalidade e de profissionalização docente. Conclui-se que Leonor de Castro, mulher de ascendência negra, teve uma atuação profissional potente, obtendo êxito pessoal e profissional, apesar dos desafios enfrentados, oportunizando conhecimento musical profissionalizante a centenas de mulheres.
Copyright (c) 2025 Clara Fernandes Albuquerque https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Magda Tagliaferro: as críticas da imprensa musical francesa e questões de gênero
Este artigo examina as publicações da crítica musical francesa das performances da pianista brasileira Magdalena Tagliaferro no período de 1910 a 1938, com foco nas intersecções entre gênero e crítica musical. A partir da análise das fontes da imprensa francesa, disponíveis na plataforma www.retronews.fr, verifico como a imagem de Tagliaferro foi frequentemente sexualizada, e como sua aparência física e postura feminina muitas vezes eram enfatizadas em detrimento de suas habilidades musicais. A crítica musical da época, dominada por homens, tendia a enquadrar musicistas mulheres em uma categoria “separada, mas não igual”, utilizando estereótipos culturais de gênero. Para enfrentar esse contexto, Tagliaferro adotou estratégias que ressaltavam sua feminilidade e seguiam os padrões estéticos da época, embora isso também a colocasse dentro de certos limites. O artigo contribui para a compreensão das barreiras históricas enfrentadas por mulheres na música clássica, evidenciando como a crítica influenciou a percepção e a carreira de musicistas mulheres.
Copyright (c) 2025 Anderson da Mata Daher https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Conquistas composicionais de Rebecca Clarke na ‘Sonata para viola e piano’
A identificação de mulheres bem-sucedidas em diversas áreas do conhecimento tem sido um foco de recentes pesquisas colaborativas. No entanto, apesar desses avanços, o impacto dessas iniciativas ainda é limitado. O presente trabalho busca destacar alguns elementos de pioneirismo na biografia de Rebecca Clarke, com ênfase na composição da Sonata para viola e piano, tendo como foco a análise musical de seu primeiro movimento, sobretudo em termos de forma e harmonia. Nesse contexto, são reveladas algumas estratégias composicionais de Clarke quanto a cruzamentos de sonoridades de acordes adjacentes, expansões a partir do acorde centralizador da obra e construções de formações estruturais por terças cromáticas, resultantes de reagrupamentos de acordes que formam redes de transformações contextuais.
Copyright (c) 2025 Adriana Lopes da Cunha Moreira, Laís Ferreira Lopes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A Influência da Violência Simbólica de Gênero no Trabalho das Compositoras
Este artigo investiga a condição das mulheres compositoras, sob a perspectiva da violência simbólica de gênero, e como o fazer musical permanece sob a égide do androcentrismo. No Brasil, atualmente, as compositoras recebem 8% do total arrecadado por direitos autorais, um número que representa o efeito revés e contínuo da desigualdade de gênero no ambiente musical, consequência de incontáveis anos de apagamento, de silenciamento e de violências de naturezas diversas contra o gênero e o fazer musical femininos. O objetivo desse artigo é investigar as implicações da violência simbólica de gênero no trabalho das musicistas compositoras. Como suporte teórico, esse artigo fundamenta-se no conceito de violência simbólica de Pierre Bourdieu. O artigo mostra como a violência simbólica de gênero, por meio do habitus, influencia o trabalho das compositoras, estabelecendo parâmetros assimétricos que desvalorizam a produção das mulheres compositoras.
Copyright (c) 2025 Janaina Fellini , Gislaine Cristina Vagetti https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Uma saudade que ficou: o silenciamento na produção composicional de Dinorá de Carvalho
Um documento é o resultado de uma montagem, consciente ou inconsciente, da história, da época e da sociedade que o produziram, sendo manipulado ainda que pelo silêncio. É o caso da canção Uma saudade que ficou, de Dinorá de Carvalho, cuja fonte documental musical permaneceu desaparecida por muitos anos. Os objetivos principais deste artigo são: (i) relatar o processo de localização das fontes desta canção; (ii) editar a partitura em sua versão para voz e piano; (iii) torná-la acessível para a comunidade acadêmica e artística. Em relação à metodologia, os contextos de criação e estreia da canção foram verificados a partir da Análise Documental e será empreendida a edição musical crítica. Como resultado, buscou-se auxiliar a tarefa de superação do silêncio que atuou como mecanismo de manipulação da memória coletiva e que contribuiu para o silenciamento da canção Uma saudade que ficou, de Dinorá de Carvalho.
Copyright (c) 2025 Tadeu Moraes Taffarello, Raquel Juliana Prado Leite de Sousa, Flávio Cardoso de Carvalho, Vitor Alves de Mello Lopes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Efeitos do exercício LaxVox na ressonância do trato vocal de sopranos líricos
Esta pesquisa apresenta os efeitos do uso do exercício de tubo de ressonância denominado LaxVox na ressonância vocal de sopranos líricos. Foi realizado um estudo intervencional, tendo sido analisados os âmbitos proprioceptivo, perceptivo-auditivo e acústico de três cantoras antes e após as intervenções com o tubo. Os resultados após as intervenções indicaram maior conforto fonatório, ampliação faríngea, voz considerada mais limpa e maior facilidade na emissão de notas mais agudas. No âmbito acústico foram registrados dados correlacionados a identificação de mudanças no envelope espectral, como a identificação, em nível acústico, de fenômenos de audibilidade vocal. Os dados da pesquisa corroboram o potencial do uso do LaxVox para a construção de habilidades esperadas no canto operístico, como a projeção e o brilho vocal.
Copyright (c) 2025 Suelen Scholl Matter, Marta Assumpção de Andrada e Silva , Zuleica Camargo, Leslie Piccolotto Ferreira, Nadja Sousa https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Mulheres e perspectiva de gênero: análise do repertório de coros profissionais do Sudeste do Brasil
As reflexões sobre a desigualdade de gênero na música permitiram aprofundar o entendimento sobre quais aspectos dificultaram ou afastaram compositoras e suas obras do repertório canônico e da programação musical. Tratamos, neste artigo, da análise do repertório de coros profissionais das capitais do Sudeste do Brasil, sob uma ótica de gênero, de modo a verificar a presença de mulheres enquanto compositoras e arranjadoras e discutir a representatividade e a equidade de gênero na música coral. No total, observamos que 1,7% do repertório apresentado pelos coros, de 2015 a 2021, foram composições e arranjos de mulheres. Os corpos artísticos que têm como objetivo a divulgação de obras contemporâneas demonstraram maior abertura para a execução de obras de diferentes períodos que fogem ao repertório canônico. Consideramos que pesquisas que abordem o canto coral pela perspectiva de gênero podem ampliar o acesso a obras de compositoras e arranjadoras e reinseri-las na história da música.
Copyright (c) 2025 Maria Rúbia de Moraes Andreta, Susana Cecília Igayara-Souza https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As mulheres na História da Música, em livros didáticos e na formação de docentes
Este artigo oferece uma revisão bibliográfica acerca da reprodução do androcentrismo na educação musical, verificado em obras de História da Música utilizadas em cursos de formação docente e em manuais didáticos de Arte (Grout e Palisca, 2007; Carpeaux, 1984; Griffiths, 1987; Kiefer, 1997; Ferrari et al., 2018). Uma concepção feminista e os conceitos de habitus, androcentrismo, interseccionalidade, e de livros como artefatos ideológicos são centrais para compreender a necessidade de ampliação da representatividade de mulheres no currículo da educação musical. Na primeira parte, abordamos os referidos conceitos e o aporte teórico feminista. No segundo tópico, apresentamos os antecedentes das pesquisas dedicadas à análise crítica de manuais didáticos contemplando critérios interseccionais. Na terceira parte, temos os resultados da análise quali-quantitativa dos livros do cânone musical, e recomendamos que a inclusão delas por meio de redefinições curriculares pode ser feita por docentes em todos os níveis educacionais.
Copyright (c) 2025 Andréia Schach Fey, Guilherme Gabriel Ballande Romanelli https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Mulheres no samba: o que dizem produções acadêmicas recentes?
Neste artigo abordamos sobre a participação das mulheres no samba, considerando suas principais expressões e particularidades. Realizamos um levantamento bibliográfico das produções científicas disponíveis na Biblioteca Digital de Teses e Dissertações sobre o tema. O estudo revela a relevante e histórica participação das mulheres – principalmente das mulheres negras – no samba. Protagonizam ações que envolvem música, religiosidade e dança, aspectos indissociáveis do samba como parte da cultura africana reinventada no Brasil a partir da diáspora, como expressão cultural afro-brasileira. Esse protagonismo sofre invisibilidade na historiografia do samba, sobretudo em relação ao fazer musical (execução de instrumentos e exercício composicional). No samba, que também é produto das relações sociais, as mulheres sofrem o peso das desigualdades de sexo/gênero, raça e classe social – inclusive, a divisão sexual e racial das atividades – e, ao mesmo tempo, a elas resistem. A historiografia do samba tem sido escrita majoritariamente no masculino, mas o samba não!
Copyright (c) 2025 Yanne Angelim Dias, Maria Zelma de Araújo Madeira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Idiossincrasias na construção da rabeca em Pernambuco: O caso de Valério Bizunga, Olinda-PE
A rabeca de Valério Bizunga é amplamente reconhecida por rabequistas em todo o Brasil. Neste artigo, investigamos suas práticas artesanais sob uma perspectiva organológica e sociológica. Descrevemos detalhadamente seu processo de construção, explorando a influência de tradições locais da Zona da Mata Norte de Pernambuco e técnicas da construção do violino. Essa análise contribui para a preservação do legado de Bizunga e abre caminho para futuras pesquisas sobre a relação entre as características organológicas de suas rabecas e as práticas musicais a elas associadas.
Copyright (c) 2025 Erasmo Estrada, Jorge Ventura de Morais https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Formação e atuação profissional do trompista no Brasil do século XXI
Este artigo se propõe a problematizar a formação do trompista a partir da percepção dos entrevistados e sua atuação profissional, de forma a compreender se os seus estudos formais no Brasil consideraram em seu desenvolvimento a estrutura do trabalho na atualidade. Por meio de entrevistas com trompistas de diferentes partes do país, divididos em três grupos, foi possível compreender se os conteúdos, práticas e repertórios contemplados na formação desses músicos correspondem às possibilidades de atuação profissional e se além de desenvolver tais conteúdos se considera o que de fato pode ser feito com aquilo que se aprende.
Copyright (c) 2025 Radegundis Aranha Tavares Feitosa, Maria Suellen Magalhães https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A invenção do instrumento vocal em Got Lost , de Helmut Lachenmann
Este artigo consiste em uma investigação sobre o instrumento vocal na obra do compositor alemão Helmut Lachenmann (1935). Para tanto, analisaremos os principais aspectos de seu pensamento composicional em dois pontos: primeiramente, investigando a própria noção de instrumento na poética do compositor, buscando compreender a articulação entre pensamento e prática composicional por intermédio dos conceitos que se desdobram de sua música concreta instrumental. Posteriormente, observando a relação que se estabelece entre voz e elementos textuais no conjunto de sua obra, analisaremos algumas das estratégias composicionais que Lachenmann dispõe ao texto de Álvaro de Campos, Todas as cartas de amor são ridículas, em sua peça, Got Lost (2008), para piano e soprano, investigando os aspectos discursivos que se realizam a partir da construção do instrumento em questão.
Copyright (c) 2025 Lucas Mateus Silva, William Teixeira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Cantos xamânicos Huni Kuin: cerimônias de ayahuasca, cosmologias e pontes entre mundos
Esta pesquisa aborda os cantos xamânicos tradicionais da etnia Huni Kuin/Kaxinawá (Acre) entoados nas cerimônias de ayahuasca (nixi pae) e presenciados pelo autor em espaços de vivências multiétnicas. Busca-se compreender a organização, as funções e características de tais cantos, denominados huni meka, nesses rituais indígenas. Concomitantemente, investiga-se de que forma a cosmologia e a cosmogonia desse povo originário podem ser representadas nessas expressões sonoras, conectando universos sonoros e imagéticos, visíveis e invisíveis, indígenas e brancos (nawa). Como metodologia da pesquisa, foram realizados levantamentos bibliográficos, pesquisas em plataformas virtuais de streaming, diálogos com interlocutores e etnografia em campo. Como conclusões, é possível afirmar que os huni meka possuem relações intrínsecas e indissociáveis da cosmologia Huni Kuin, e são distribuídos em três momentos da cerimônia: pae txanima, de abertura do rito para chamar a “força”; dautibuya, para trazer a “miração”; kayatibu, para diminuir a “força” e encerrar a cerimônia.
Copyright (c) 2025 Leonardo Corrêa Bomfim https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Tinctoris sobre as falsas concordâncias: um erro cometido por todos os compositores?
O presente artigo retoma a crítica de Tinctoris às falsas concordâncias presentes em composições de Guillaume Faugues, Antoine Busnoys e Firminus Caron. Objetiva-se analisar criticamente um ponto de vista histórico sobre os intervalos que atualmente chamamos de aumentados e diminutos na polifonia vocal do século XV. Para tanto, revisa-se três publicações musicológicas que tratam diretamente da questão: Berger ([1987] 2004), Urquhart (1999) e Bent (2001). Notando que as regras de contraponto não tratam da exclusão de um intervalo em particular, mas da correta ordenação dos elementos musicais na trama polifônica, conclui-se que as falsas concordâncias participam da realização do ideal da harmonia, uma vez que são elementos de diversidade necessários à consecução da variedade de razões que sustenta a chamada composição encantadora, o contraponto florido.
Copyright (c) 2025 Matheus Rocha Grain https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Uma análise das concepções de Ruggiero Ricci sobre a técnica de violino de mão esquerda
O objetivo deste artigo é analisar as contribuições de Ruggiero Ricci no âmbito da técnica violinística de mão esquerda. São apresentados elementos que buscam fundamentar sua visão acerca do papel da percepção auditiva no desenvolvimento técnico e da relação entre a sustentação do violino e expedientes técnicos basilares. Os aportes de Ricci são comparados aos de outros pedagogos do violino, especialmente Carl Flesch e Ivan Galamian, os mais influentes autores nessa área no século 20. A relação entre a aquisição da técnica de mão esquerda no sentido estrito da atuação motora/postural e o desenvolvimento da capacidade auditiva de diferenciação de alturas, relação que possui lugar privilegiado nas proposições de Ricci, assim como outros elementos estruturantes da sua perspectiva acerca da técnica da mão-esquerda – especialmente a abordagem cordal e o uso da técnica de glissando – são discutidos a partir de postulados da psicologia histórico-cultural.
Copyright (c) 2025 Brigitta Calloni https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O intérprete musical e a técnica de arte: reflexões sobre uma proposição de Mário de Andrade
Toma-se uma proposição sobre o que Mário de Andrade chamou de técnica de arte para refletir sobre o intérprete musical. A técnica de arte divide-se em três partes: o artesanato, que equiparamos à mestria instrumental, a virtuosidade, equiparada ao conhecimento das escolas e estilos de interpretação, e a técnica individual. Para Andrade, existem problemas no trabalho do artista que só podem ser combatidos pela aquisição de uma consciência artística que seria decorrente do estudo da estética (filosofia da arte). Esse estudo, contudo, adquire contornos particulares na formação de um artista, e visa fomentar a intuição e desenvolver um senso moral na relação com a arte e com o material. Em conclusão, argumenta-se que, se a técnica individual e da consciência de artista não podem ser ensinadas, elas podem ser aprendidas por meio de uma construção própria do artista, para o que o ambiente universitário é postulado como ambiente propício.
Copyright (c) 2025 Luigi Brandão, Flavio Barbeitas https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A música concertante no Real Mosteiro de São Bento da Avé-Maria do Porto entre os séculos XVIII e XIX
A música era um elemento fundamental para o funcionamento das instituições monástico-conventuais. No caso do Mosteiro de São Bento da Avé-Maria do Porto, o maior e mais importante mosteiro feminino da cidade, na transição entre os séculos XVIII e XIX, uma notável quantidade de obras em estilo concertante foi encomendada e interpretada por diversas monjas nas mais diversas celebrações litúrgicas. Após o encerramento definitivo do mosteiro em 1892, o seu espólio musical foi enviado à Biblioteca Nacional de Portugal, em cuja Seção de Música, atualmente, se conserva. O estudo deste significativo corpus musical permitiu-nos identificar não só os manuscritos indubitavelmente oriundos do mosteiro e os nomes das monjas intérpretes, como também as principais influências musicais presentes no repertório do antigo mosteiro. O presente artigo indaga acerca dos principais compositores, influências musicais, mecenas e intérpretes no antigo cenóbio beneditino feminino portuense.
Copyright (c) 2025 Rosana Marreco Brescia, Marco Brescia https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A vanguarda pop de Damiano Cozzella: hibridação cultural e a composição como ato crítico
Este texto tem como objetivo demonstrar o trânsito de Damiano Cozzella entre os estratos de alta e baixa cultura e como isto se transparece em suas composições. Para alcançar tal objetivo, apresentaremos uma visão parcial sobre sua trajetória musical, seguido da análise de duas obras e um esboço para demonstrar como Cozzella assumiu o fazer composicional como um ato crítico. Fundamentados no conceito de “hibridação” proposto por Néstor García Canclini (2019), chegamos à conclusão de que Cozzella foi um músico que produziu hibridação entre estratos culturais por meio de sua prática criativa e desde uma perspectiva êmica.
Copyright (c) 2025 Fernando Magre, Mónica Vermes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
‘Chess studies’ para quarteto de cordas: Composiçao baseada em xadrez
Este artigo propõe uma primeira abordagem sobre as possibilidades de adaptação de elementos matemáticos derivados do xadrez para a composição musical a partir da análise da obra Chess Studies para quarteto de cordas, escrita em 2020 pelo 1º autor deste artigo. A estrutura dos seus quatro movimentos surge da sobreposição da geometria derivada de uma sequência de movimentos para a execução do xeque-mate do Bispo e do Cavalo num quadrado mágico do tabuleiro 8x8, neste caso, o quadrado mágico de Al-Zarquali (século XI). A análise aprofunda a evolução do material musical utilizado, mostrando a tendência para dar origem a simetrias de alturas e fragmentos temporais entre os diferentes movimentos da composição. Estas simetrias dão origem a analogias com o conceito de quiralidade, característico da geometria do xadrez. Estruturas que apresentam quiralidade surgem na obra tanto no espaço sonoro como no espaço temporal.
Copyright (c) 2025 Alberto Hortigüela, Sara Carvalho https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pesquisa Artística nas Teses e Dissertações das Universidades Brasileiras entre os anos de 2018 e 2022
Este artigo apresenta resultados parciais de um projeto de pós-doutorado em Musicologia, realizado na Universidade de São Paulo, que investiga metodologias de pesquisa em música com ênfase na Pesquisa Artística. O estudo detalha a primeira fase do projeto, que consiste na identificação e análise preliminar de teses e dissertações de universidades públicas brasileiras, produzidas entre 2018 e 2022, e que incluem o termo “Pesquisa Artística” em seus títulos, resumos e/ou palavras-chave. Este texto não apenas lista os trabalhos identificados e suas informações bibliográficas fundamentais, mas também discute a revisão bibliográfica que fundamenta a pesquisa em curso. Dentre os principais resultados, observou-se um aumento no número de trabalhos voltados para a Pesquisa Artística nas universidades brasileiras, embora esse crescimento seja não linear e mais prevalente em dissertações de Mestrado. A análise revela ainda uma diversidade nos métodos e referenciais teóricos adotados, refletindo uma abordagem heterogênea neste campo emergente de estudo.
Copyright (c) 2025 Marta Macedo Brietzke, Mario Videira https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A Falsa Relação Cromática: Um Dispositivo Composicional e Tropo Diegético no Renascimento Inglês
Teóricos definem falsa relação como um par incongruente de notas que ocorre em vozes diferentes, implicando em uma relação de alteração cromática. Entretanto, é a falta de relação entre essas notas que origina seu nome. Documentos teóricos se referem alternadamente a este dispositivo como cross relations (simultâneas/não simultâneas), relações não-harmônicas e “English clash”. Este artigo aborda inconsistências terminológicas e a relativa imprecisão na definição dessa ferramenta compositiva. Embora o termo apresente uma definição teórica hoje, ele tem um significado retórico/diegético na tradição da musica poetica (parrhesia; licentia), conforme documentação do Cinquecento/Seicento. Ao identificar diferenças fundamentais entre as variantes da falsa relação cromática que estes termos denotam coletivamente em diálogo com modulações “normais”, este artigo distingue entre suas variantes—decorrentes de uma nova terminologia analítica: síncrona/assíncrona, direta/indireta, etc. O artigo conclui com análises de Ne irascaris domine, de William Byrd, e The Silver Swanne, de Orlando Gibbons.
Copyright (c) 2025 Eduardo Solá Chagas Lima https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Militância cultural: memórias musicais do associativismo negro no Rio de Janeiro (1900-1930)
Este artigo traça conexões e linhas de continuidade entre a história do chamado “associativismo negro popular”, a história das escolas de samba e a história da música popular no Rio de Janeiro, utilizando como fontes centrais entrevistas de musicistas negros oriundas do acervo do Museu da Imagem e do Som do Rio de Janeiro e tendo como recorte temporal aproximado o período entre 1900 e 1930. O foco não está nas minúcias desse período, mas nos elementos político-culturais duradouros e na dinâmica de interação social das comunidades negras, que conectam em um mesmo processo esses três ramos da história brasileira. O artigo põe em evidência uma série de valores culturais, sociais e políticos que constituem a história musical dessas comunidades como uma história de “militância” e desafiam os cenários, a cronologia e os problemas usuais do campo da “história da música popular brasileira”
Copyright (c) 2025 Lurian Reis da Silva Lima https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
A Pop Art como material artístico da modernidade no Rock e suas distinções na Inglaterra e nos EUA
Na década de 1960, o rock esteve profundamente ligado à contracultura, permitindo que músicos explorassem novas formas sonoras e visuais em um ambiente aberto à experimentação. Nesse contexto, muitas bandas dialogaram com a pop art, tanto na Inglaterra quanto nos Estados Unidos. Este artigo analisa essas interações a partir das obras dos Beatles e de David Bowie, artistas que emergiram do underground e se conectaram com a estética pop em diferentes momentos. Destacamos a singularidade da pop art inglesa nas colagens presentes na produção dos Beatles entre 1967 e 1969, e o minimalismo da vertente norte-americana nas obras de Bowie durante a década de 1970. Haja vista que essas vertentes são comumente entendidas como sendo unívocas, buscamos contribuir para um debate mais amplo a respeito dos aspectos de produção da arte e do rock dos anos 1960-70, ressaltando as possibilidades inauguradas a partir do diálogo entres tais mídias.
Copyright (c) 2025 Vanessa Pironato Milani, José Cesar Fernandes Gomes https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Este estudo mostra a indissociabilidade entre o ruído e as condições materiais de sua produção. Primeiramente, sugere-se que a percepção do ruído é coetânea à aquisição das capacidades da linguagem e da música. A seguir, discute-se o impacto do cenário industrial moderno na paisagem sonora e sua influência na percepção dos ruídos. Após isso, indica-se que questões de temperamento e afinação musical, que surgem para evitar sons indesejados – ruídos -, são indissociáveis da materialidade subjacente ao contexto acústico. Assim que condições materiais e perceptuais permitiram a integração do ruído na música ou a sua utilização em artes sonoras não-musicais, o ruído passa a adquirir uma significação distinta daquela subdeterminada pela linguagem e pela música. Evidencia-se assim a diversidade de modos em que o ruído foi considerado, razão pela qual torna-se imperioso examiná-lo à luz de condições materiais e perceptivas.
Copyright (c) 2025 Roberto Wu https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
“Alfonsina y el mar” pelo prisma da MPB: releituras da canção argentina no Brasil
Este trabalho teve como objetivo investigar os processos de significação potencialmente suscitados pela canção argentina Alfonsina y el mar em três momentos: 1969, no álbum Mujeres argentinas, de Mercedes Sosa; 1982, no álbum Corpo e Alma, de Simone e 2010, no DVD Cantos e contos, de Zizi Possi. Realizou-se um processo de revisão bibliográfica tratando da ascensão de um tipo de música popular de raízes folclóricas na Argentina, dando subsídios à análise da canção de Ariel Ramírez e Félix Luna. Em seguida, foram analisados os arranjos brasileiros cotejando questões musicais e de performance com os contextos político e cultural do país. Concluiu-se que a versão de Simone pode ser lida como uma forma de vínculo do campo da MPB com movimentos latino-americanos da canção de protesto, diferentemente do arranjo interpretado por Zizi Possi, fruto de um momento histórico em que a própria MPB não se mostrava mais explicitamente engajada politicamente.
Copyright (c) 2025 Daniel Lovisi https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Expanding the Pianist’s Toolbox: Approaches to Arpeggiation, Pedalling, and Gesture
This article examines less conventional approaches in piano performance and their potential to expand the performer’s creative space through techniques such as arpeggiation, rhythmic asynchrony, body language communication, and experimental pedalling—all drawn from historical performance practices. Using Schubert’s piano works as a foundation, the study integrates insights from historical treatises, the author’s critical commentary, and practical experimentation, with key findings illustrated through video demonstrations. In exploring alternatives to conventional music performance paradigms, the article articulates a historically informed perspective that foregrounds creative agency and encourages performers to develop their creative voices through expanded interpretive possibilities.
Copyright (c) 2025 Óscar Caravaca González https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
As técnicas estendidas no trompete: relato de interação entre intérpretes/compositores e intérpretes/construtores
Este trabalho propõe uma reflexão sobre a expansão das técnicas estendidas durante a história do trompete, empregando como fio condutor a interação entre o intérprete/compositor e intérprete/construtor de instrumento. Para isso foram coletados dados históricos dessas relações, realizados por meio de levantamento bibliográfico e de entrevistas com solistas nacionais e internacionais da atualidade com o objetivo de demostrar a trajetória do desenvolvimento das técnicas estendidas no trompete.
Copyright (c) 2025 Adenilson Roberto Telles, Paulo Adriano Ronqui https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Convergências temáticas entre ‘Canto de amor e paz’ e a ‘Sinfonia 4’ de Cláudio Santoro
Neste artigo apresentamos as convergências temáticas existentes em duas obras representativas do compositor Cláudio Santoro: Canto de amor e paz e a Sinfonia 4 “sinfonia da paz”. As peças foram escritas durante o período em que o compositor esteve influenciado pela estética do realismo socialista, no início da década de 1950. As temáticas convergentes se referem a aspectos ideológicos e musicais. O uso da ideia da paz, presente nos títulos das peças e no programa da sinfonia, atua como conteúdo extramusical e está relacionado ao significado que o termo possuía nos meios socialistas ao qual Santoro pertencia. Por outro lado, as obras também apresentam grandes similaridades entre os conteúdos melódicos empregados na construção dos temas principais das duas peças. Concluímos que Santoro utilizou um mesmo tema, embora tenha sido tratado de maneira diferenciada em cada uma delas.
Copyright (c) 2025 Paulo de Paula, Carlos Fiorini https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
O território da Pesquisa Artística: investigando as margens da polissemia
Este artigo investiga o campo da Pesquisa Artística (PA), que, apesar de crescente, enfrenta dificuldades em relação às suas definições. Partindo de algumas críticas à área, o objetivo desta pesquisa é identificar as marcas que definem a PA como um território de pesquisa distinto. Para isso, a tipologia de Frayling (1993) será acessada, compreendendo que os diferentes entendimentos sobre a PA se associam à “pesquisa através das artes”. A partir disso, e em diálogo com Chiantore (2020), são expostas três marcas da PA: a retroalimentação entre pesquisa acadêmica e prática artística, a intencionalidade de propor-se como pesquisa e a particularidade dos seus resultados. Por fim é proposta uma estrutura para projetos de PA a partir de Stévance e Lacasse (2018). O percurso trilhado visa facilitar a aproximação de pesquisadores interessados com a área, assim como evidenciar suas idiossincrasias e, em consequência, justificar e defender a sua existência.
Copyright (c) 2025 Bibiana Bragagnolo https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Pedagogia da Regência Musical e Tecnologia: Uma Revisão de Literatura Descritiva
Esta revisão da literatura descreve a relação entre o desenvolvimento de tecnologias e o ensino da regência musical, considerando que gestos musicais são um dos importantes aspectos da regência já que informam a forma, a articulação e as intenções de expressividade da música. Artigos acadêmicos sobre regência e o uso de tecnologias tais como aplicativos de celular, redes de internet, robôs e inteligência artificial (IA) foram selecionados com objetivo de elucidar quais ferramentas tecnológicas estão em desenvolvimento e como podem estar sendo assimiladas às práticas pedagógicas. Como método de análise foi utilizado o enfoque da comparação constante, incluindo a síntese e a interpretação dos artigos. Resultados sugerem que desenvolvedores de tecnologias continuam a explorar modelos no sentido de substituir parcialmente a interação direta professor-aluno no ensino da regência musical. No entanto, as diversas possibilidades exploradas por tecnologistas estão à espera de se tornarem ferramentas tecnológicas disponíveis em contextos de ensino.
Copyright (c) 2025 Adamilson Abreu https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Expressividade Pianística: Interfaces entre Cognição, Metáforas Visuais e Ensino Musical
Este artigo investiga o impacto das metáforas visuais e das imagens mentais na performance pianística, com ênfase em suas funções pedagógicas e expressivas. A pesquisa adota uma abordagem qualitativa, de natureza teórico-reflexiva, fundamentada na articulação entre pedagogia musical, cognição incorporada, neurociência e estética. Por meio de revisão bibliográfica e análise de relatos pedagógicos, examina-se como o uso de metáforas influencia a técnica, a expressividade e a construção interpretativa no ensino do piano. Os resultados indicam que essas metáforas atuam como mediadoras entre linguagem, gesto e imaginação, promovendo uma aprendizagem mais integrada e artística. Evidências sugerem que a utilização consciente de metáforas pode aprimorar a coordenação motora, a memorização, a expressividade emocional e a autonomia interpretativa. Conclui-se que o estímulo à imaginação, por meio de imagens e visualizações, constitui um recurso valioso na formação pianística e deve ser incorporado como parte essencial da prática e da didática musical.
Copyright (c) 2025 Thiago Pessanha Correa, Elenisio Rodrigues Barbosa Junior https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Um modelo narrativo em três versões de “My Favorite Things” por Jonathan Kreisberg
Este trabalho analisa três performances na guitarra solo por Jonathan Kreisberg na música My Favorite Things, utilizando a teoria da narratividade de Byron Almén (2008) e ideas do campo do Storytelling. É analisado o material audiovisual com transcrições para partitura, observando dados dos fonogramas, o vocabulário melódico e harmônico usados, e outros aspectos. A comparação foca no improviso da versão do álbum ONE (2013), examinando seu discurso como um conflito entre dois conjuntos de isotopias (linhas melódicas e regiões homofônicas), que produz uma narrativa do arquétipo cômico. Conclui-se que Kreisberg segue nas três versões um modelo ou esquema narrativo estabelecido, que contém espaço para espontaneidade. O modelo possui uma exposição arranjada do tema, conflito narrativo entre isotopias, um arco narrativo convexo nos improvisos, pontos de apoio recorrentes e significativa variação entre o vocabulário melódico nas versões, evidenciando a complexidade e sofisticação do trabalho do intérprete.
Copyright (c) 2025 Rafael Gonçalves https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Escritos no pó, para violão e sons eletrônicos: reflexões sobre a música mista com tape e sua relação com a tradição
Este artigo analisa a obra Escritos no pó, para violão e sons eletrônicos, com o objetivo de refletir sobre aspectos composicionais e performáticos da música eletroacústica mista em tempo diferido –aquela que envolve a interação entre instrumentos acústicos ao vivo e uma parte eletroacústica pré-gravada (tape). A partir da análise dessa obra, discute-se como procedimentos e estratégias da música de câmara tradicional permanecem relevantes nesse contexto, revelando continuidades entre práticas composicionais acústicas e eletroacústicas. Argumenta-se que a fixidez do suporte tecnológico ou o trabalho do compositor diretamente com o som não anulam a expressividade da obra, mas caracteriza uma fusão entre performance e composição. A experiência composicional descrita aqui evidencia que a música mista em tempo diferido pode ser abordada como desdobramento, e não ruptura, da tradição musical, propondo-se como território fértil para a renovação do pensamento criativo por meio da mediação técnica.
Copyright (c) 2025 Felipe Vasconcelos, Renan Simões https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Viralidade musical em plataformas sociais: uma revisão da literatura
As plataformas sociais online amplificaram a viralização de conteúdos, incluindo músicas que rapidamente alcançam milhões de usuários, tornando a viralização musical um tema de pesquisa crescente em áreas como computação, música, comunicação e marketing. Diante disso, este artigo apresenta uma revisão da literatura sobre viralidade musical em mídias sociais, com o objetivo de compreender e sintetizar as pesquisas existentes sobre o tema a partir de uma perspectiva computacional. Apresentamos uma visão geral das principais dimensões, incluindo evolução temporal, perspectivas sobre viralidade, relação com o sucesso musical, fontes de dados, abordagens e métodos. Os resultados destacam o papel central de plataformas como YouTube e TikTok, a relação entre viralidade e sucesso, e o uso de abordagens tanto quantitativas quanto qualitativas. De modo geral, este trabalho pode servir como ponto de partida para investigações sobre a viralidade musical e suas dinâmicas complexas, visto que se trata de um tema...
Copyright (c) 2025 Gabriel P. Oliveira, Ana Paula Couto da Silva, Mirella M. Moro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
Reflexões sobre técnica violonística a partir da experiência de Nenéu Liberalquino
O artigo propõe uma breve discussão sobre a técnica e performance violonística, com base na técnica performática desenvolvida pelo músico Nenéu Liberalquino, que possui uma forma não convencional de tocar violão. O artigo está em forma de ensaio, a partir de revisão bibliográfica e análise documental sobre o músico em destaque. O resultado propõe uma reflexão sobre a técnica tradicional e outras não tradicionais, como a desenvolvida por Nenéu Liberalquino, dentre outras, como forma de acessibilizar o ensino do instrumento a pessoas que não se adaptam bem à técnica convencional, visando a alta performance instrumental. Dessa forma, o artigo questiona a ênfase que se dá aos moldes tradicionais de ensino/performance, bem como enfatiza a importância de desenvolvermos possibilidades técnicas alternativas e métodos diferenciados para o ensino do instrumento musical, mais especificamente, do violão, para torná-lo mais acessível e contemplar a diversidade de corpos.
Copyright (c) 2025 Deyvison Lucas da Silva, Viviane dos Santos Louro https://creativecommons.org/licenses/by/4.0
“Ayisyen kite lakay”: uma introdução à música da diáspora haitiana no Brasil
Entre as diversas consequências socioculturais resultantes do estabelecimento de uma diáspora haitiana no Brasil está uma rica e diversificada produção musical. Contexto musical marginalizado e ainda pouco estudado, a produção e os fazeres musicais de haitianos no país tem se revelado um fenômeno cosmopolita e variado, além de intimamente relacionado com a experiência da migração e da adaptação em um novo ambiente. Colocando em diálogo a literatura antropológica e etnomusicológica sobre contextos diaspóricos haitianos e reflexões sobre diáspora e migração do teórico cultural jamaicano Stuart Hall, este artigo oferece uma visão panorâmica e uma discussão inicial de tal contexto musical, cujo desenvolvimento é negativamente afetado pela intersecção de racismo e xenofobia. Através desse enquadramento, reflito sobre como a produção musical de meus interlocutores traz à tona questões e conceitos relativos à mobilidade, identidade cultural, raça/racismo e desigualdade de gênero.
Copyright (c) 2025 Caetano Maschio Santos https://creativecommons.org/licenses/by/4.0