ART&SENSORIUM - Revista Interdisciplinar Internacional de Artes Visuais (eISSN- 2358-0437) é uma Publicação Contínua (a partir do Vol.11) do PPGAV (Programa de Pós Graduação em Artes Visuais - Mestrado Acadêmico) da Unespar (Universidade Estadual do Paraná), Campus de Curitiba 1, com Qualis Impacto A3 pela CAPES. Seu objetivo é a publicação de artigos e ensaios acadêmicos inéditos em lí­ngua portuguesa, espanhola ou inglesa, sobre questões relativas às artes visuais como História e Teoria da Arte, Poéticas Visuais (processos de Criação), assim como pontes interdisciplinares e transdisciplinares com foco em artes visuais de autores tanto do Brasil como do exterior. Aceita-se também resenhas de livros nessas mesmas linhas de pesquisa.
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Este artigo analisa como a obra de Joseph Beuys transforma a arte contemporânea em um território simbólico de disputa, ativando gestos e materiais que ressignificam o espaço e reorganizam o imaginário coletivo. Parte-se do problema: de que modo sua produção reconfigura o território da arte como espaço simbólico de consagração e confronto? Para isso, a pesquisa adota uma abordagem interdisciplinar que articula arte, antropologia e psicologia, com base nos pensamentos de Mircea Eliade, Carl Gustav Jung e Clifford Geertz. Investiga-se como a escultura social proposta por Beuys atua como gesto fundador e reestruturante, especialmente ao mobilizar materiais como feltro, gordura e mel, compreendidos aqui como catalisadores simbólicos que ativam experiências arquetípicas. As análises apontam que esses elementos operam deslocamentos significativos no campo cultural, tornando visível a dimensão simbólica da criação artística como um modo de reorganizar o sensível. Mais do que representar o mundo, a prática de Beuys parece instaurar zonas de transformação, tensionando as fronteiras entre mito, política e vida cotidiana. Ao propor uma arte que atua diretamente sobre a realidade, sua obra sugere novas formas de relação com o coletivo e com os sistemas simbólicos que nos constituem. Assim, o estudo oferece uma leitura que reconhece a arte como um território ativo de ressignificação e reinvenção cultural.
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UMA EXPERIÊNCIA DO SONHAR NAS ARTES VISUAIS
O presente estudo em poéticas visuais busca compartilhar experiências oníricas e suas possibilidades de experimentações no campo das Artes Visuais, integrando tanto concepções fisiológica e psicanalítica, quanto o próprio processo de criação. Em uma perspectiva pessoal e contemporânea, tem como objetivo descrever uma experiência com sonhos através da criação de obras de arte, utilizando diferentes mídias, como pintura e realidade virtual. Problematiza-se como as Artes Visuais podem ajudar a traduzir as dimensões do sonhar. Partindo da metodologia de pesquisa em Artes Visuais, a ideia é transportar o espectador para dentro do mundo onírico, proporcionando certa transposição de uma experiência imersiva onírica para uma poética que faz uso de tecnologias imersivas. Assim, busca-se evidenciar um olhar mais palpável sobre o sonho, como algo que faz parte da realidade vivida, numa outra esfera da experiência humana. Os conceitos discutidos dialogam com as reflexões de Michael Rush (2006) sobre o impacto das novas tecnologias na arte contemporânea, enquanto Oliver Grau (2007) traz a perspectiva histórica de como a imersão artística, desde os panoramas até a realidade virtual, tem envolvido o espectador de formas inovadoras. Por sua vez, Georges Didi-Huberman (1998) questiona como o olhar não apenas interpreta a obra, mas é interpelado por ela, destacando as tensões entre a complexidade dos sonhos e as limitações da representação visual. Nesse contexto, falo sobre como a linguagem da pintura em realidade virtual entra em diálogo com a pintura tradicional, permitindo criar obras híbridas que tocam a subjetividade do sonhar e do “eu” onírico, enquanto propõem novas formas de interação e participação do público com a experiência dos sonhos. Tendo como referência Sidarta Ribeiro, direciono os conceitos abordados em um olhar mais contemporâneo para o sonhar e suas possibilidades de experimentação com tecnologias imersivas.
A UTILIZAÇÃO DE ESTADOS ALTERADOS COMO ESTRATÉGIA DE CONSTRANGIMENTO NA PRODUÇÃO ARTÍSTICA
Este artigo propõe uma análise crítica da utilização deliberada de estados alterados de consciência como estratégia de constrangimento na prática artística, com o objetivo de fomentar o acesso a experiências estéticas intensas e transformadoras, associadas ao conceito de sublime. Partindo de uma revisão teórica que reconsidera o papel do constrangimento como elemento constitutivo — e não meramente limitador — da experiência estética, a investigação articula uma abordagem multidisciplinar que envolve filosofia da arte, estudos da consciência e práticas artísticas contemporâneas. São discutidos quatro exemplos paradigmáticos: o uso de substâncias psicotrópicas, a meditação, a hipnose e um processo autoral de experimentação pictórica, centrado na perturbação intencional da lógica e da resposta instintiva. Defende-se que tais constrangimentos, ao desestabilizarem o sujeito criador, operam como dispositivos catalisadores de experiências sublimes, ressignificando o papel da arte enquanto mediadora de estados liminares e de perceção expandida.
Todos buscam vivenciar uma Vida mais amorosa e verdadeira, como se fosse algo que, por meio da poesia, nos permitisse abrir as portas de um templo sagrado, em que uma celebração mística está prestes a começar. Pode ser que se trate de um mistério a ser vivenciado, a unio mystica ou a iluminação por meio de “vivências, escutas e encontros poéticos”. Pode uma obra poética alternativa instigar a busca da iluminação? Trazer elementos que ajudem a lançar um outro olhar para a Vida? As desafiantes reflexões analítico poético-filosófico nos levam a sugerir que podemos vivenciar uma Vida mais amorosa e verdadeira. A arte poética alternativa pode nos ajudar a adentrar às portas de um templo sagrado, em que uma celebração mística poética pode acontecer e que, sem perceber, podemos vivenciar o mistério da união mística poética por meio da escuta, do encontro e das vivências que podem nos encantar e nos ajudar a nos encontrar com Deus.
Este artigo apresenta parte de uma investigação teórica e prática sobre o oracular em processos artísticos, em realização desde 2016. A pesquisa é movida pelas seguintes perguntas: o que são oráculos? Quais são os possíveis atravessamentos entre oráculos e as artes visuais? Quais são as relações entre oráculo e cartografia? Como inventar oráculos? O artigo traz uma brevíssima contextualização mitológica e histórica, provocações, hipóteses, e discute entrelaçamentos entre minhas práticas oraculares e artísticas através do trabalho Corporacular. Falar em oráculos é assuntar sistemas de crenças e modos de leitura de mundos, visíveis e invisíveis, em diferentes culturas, ao longo dos tempos. Tradicionalmente envolvem sistemas de aleatorização, ritualísticas, elaborações de perguntas, operações com signos, e criação de narrativas que buscam contemplar as questões, incertezas, dores e angústias daqueles que os consultam. No senso comum, a palavra oráculo significa o vaticínio, a pessoa que faz a predição, o ritual ou lugar onde é realizado, porém é importante enfatizar que o foco da pesquisa não é o oráculo como predição do futuro, e sim como sistema de linguagem e metodologia que permite aproximações com as artes. Este estudo propõe oracular como verbo, portanto como ação e estado de corpo. Ao analisar as possibilidades do verbo oracular são encontrados outros como investigar, percorrer, imaginar, cartografar e ficcionar. Corporacular é também proposto como verbo num rito em que cartas de Tarô, objetos trazidos pela pessoa participante e seu corpo são lidos e escritos como um oráculo. Corporacular é verbo, nome do rito, processo cartográfico, metodologia inventada - artística e de pesquisa - e maquinaria ativada pela participação do outro. É uma experiência estética que envolve leituras, escritas, narrações, e a produção de pensamentos sobre saúde poética. Palavras-chave: Arte e narrativa; Metodologia inventada; Oráculo.
DO INCONSCIENTE PSICANALÍTICO AO INCONSCIENTE PSICODÉLICO
Este artigo propõe uma investigação comparativa do inconsciente como um conceito central e notoriamente enigmático da tradição psicanalítica, articulando-o a concepções emergentes oriundas das pesquisas contemporâneas sobre estados não ordinários de consciência. Partindo das formulações teóricas de Sigmund Freud, o trabalho explora a constituição do inconsciente na psicanálise freudiana, evidenciando o seu contraste com as abordagens do chamado inconsciente psicodélico, tal como aparece evidenciar as experiências induzidas por substâncias psicodélicas. A nossa tarefa teórica não é privilegiar uma teoria em detrimento a outra, mas reler essas duas perspectivas, buscando não apenas evidenciar suas divergências e tensões conceituais, mas também refletir sobre os limites e possibilidades de elucidação conceitual do campo do inconsciente.
Esta proposta se lança na desafiadora tarefa de compreender a manifestação do onírico na arte. Parte da hipótese de que o onírico se estrutura por meio da articulação de três camadas fundamentais: o real (ligado à verossimilhança), o insólito (vinculado ao estranhamento) e o maravilhoso (caracterizado pela ruptura com a lógica empírica). O estudo apoia-se nas contribuições teóricas de Freud, Jung, Deleuze, Lahire, Todorov e outros autores, para refletir sobre como os estudos do inconsciente se entrelaçam com sua manifestação onírica na arte. O artigo analisa, ainda, o filme MEN – Faces do Medo (2022), dirigido por Alex Garland, a partir do conceito de onírico como categoria estética e narrativa no cinema. Por meio da trajetória da protagonista Harper, demonstra-se como a obra mobiliza esses elementos para construir uma narrativa simbólica sobre o luto, o trauma e a opressão patriarcal. A análise propõe que o onírico não se limita a um recurso estilístico, mas constitui um regime de significação que permite a ressignificação da experiência e a crítica simbólica das estruturas sociais.
Neste estudo, inserido no âmbito da nossa pesquisa de doutorado, buscamos respostas para um fenômeno surgido durante nossa prática artística. Ao explorarmos os sonhos noturnos como temática para a criação pictórica em aquarela, notamos que algumas obras, após finalizadas, ressurgem em nossos sonhos. Desse modo, retomam o seu lugar em nosso inconsciente na medida em que se tornam temas de novos sonhos, os quais por sua vez são tomados como referências para outras pinturas, gerando assim aquilo que, por ser de caráter potencialmente cíclico e de prolongamento indefinido, chamamos de reverberações oníricas. É sobre tais relações dialéticas entre sonho e produção artística que aqui nos debruçamos com o intuito de uma maior compreensão a seu respeito.
A experiência com a ayahuasca e estados não ordinários de consciência envolve visões simbólicas, acesso ao inconsciente e uma percepção alterada da realidade. Sua natureza metafísica desafia as categorias convencionais de linguagem e representação, sendo frequentemente descrita como inefável. Embora a arte, em qualquer contexto, possua um grau de inefabilidade, a arte visionária que busca expressar essas vivências enfrenta desafios ainda maiores, pois tenta traduzir conteúdos dinâmicos e subjetivos que escapam às estruturas simbólicas tradicionais. Participantes de rituais com ayahuasca relatam visões de geometrias sagradas, unidade cósmica, amor incondicional e encontros com entidades divinas ou aspectos sombrios da psiquê. Nenhuma dessas percepções pode ser representada fielmente devido a limitações cognitivas, conceituais e técnicas. Artistas importantes como Pablo Amaringo e Alex Grey tentaram captar os aspectos pictóricos dessas experiências, desenvolvendo uma linguagem visual que dialoga com os mistérios do inconsciente e do divino. A psiquiatra Nise da Silveira, em paralelo, demonstrou como a arte pode servir como ferramenta terapêutica para acessar conteúdos profundos da psiquê, algo que ressoa no pensamento junguiano e no trabalho de pesquisadores como Stanislav Grof e Terence McKenna. A relação entre arte visionária, inconsciente e contracultura sugere que essas representações funcionam como pontes entre a subjetividade humana e estados ampliados de consciência. Tecnologias emergentes, como realidade virtual e inteligência artificial, são abordadas como possíveis meios para aprofundar a compreensão dessas experiências e difundir seu acesso à população, embora também enfrentem limitações na captação de sua complexidade e esplendor. Apesar dos esforços contínuos de grandes artistas e cientistas da contemporaneidade, a experiência com a ayahuasca continua a desafiar os limites da linguagem e da cognição humana, consolidando-se como uma biotecnologia ancestral ameríndia de grande relevância médica, espiritual, estética e filosófica.
Este artigo é um relato da pesquisa de doutorado defendida em 2018. Nela, busco compreender a relação entre histórias em quadrinhos e Arte Visionária. No Brasil, apesar de pouco conhecidos, há autores de quadrinhos renomados internacionalmente que são claramente visionários, como é o caso de Sergio Macedo e Alain Voss. Na pesquisa, foram analisados trabalhos de Moebius, Jim Woodring, Rick Veitch, Sergio Macedo e Xalberto, além de minha própria produção anterior à pesquisa. Como referencial usei, principalmente, bibliografias ligadas aos processos criativos, antropologia (xamanismo), psicologia (ENOC) para demarcar o terreno teórico trafegado. A investigação se deu na linha de pesquisa de Poéticas Visuais e Processos de Criação, assim, ela se estende também para a prática artística, ou seja, fazer quadrinhos. Criei colaborativamente histórias que estão no escopo da Arte Visionária, tendo como método de indução de ENOC o chá ritualístico Ayahuasca, sonhos lúcidos e a técnica chamada Respiração Holotrópica. A abordagem metodológica foi a pesquisa baseada em arte combinada com autoetnografia. Enquanto resultado poético, foram desenvolvidas 16 histórias em quadrinhos. Os processos criativos de cada uma delas foi discutido na tese, buscando traçar paralelos entre o visto, sentido e retratado, com os processos cognitivos e estados psicológicos típicos dos ENOC. Como resultado, compreendo que os Estados Não Ordinários de Consciência, em especial os destacados para esta pesquisa, não promovem o aumento da criatividade no indivíduo criador. No entanto, auxiliam e influenciam nas temáticas dos artistas, o que, por vezes, pode ser confundido com aumento da criatividade. Podendo ser melhor compreendido como uma escolha em ‘perseguir um tema específico’. No artigo aqui apresentado, após as considerações finais, foi acrescentada uma versão inédita de uma história visionária, resultado da pesquisa. A motivação para inclusão da história é dar um exemplo visual do tipo de trabalho abordado na tese e no artigo.
Historicamente marginalizados pela medicina e pela psicologia, os estados não ordinários de consciência (ENOC) vêm sendo revalorizados no chamado “renascimento psicodélico”, que os considera modos legítimos de experiência e de produção de sentido. Nesse contexto, a imagética psicodélica é compreendida como um acontecimento sensível, expressão singular da subjetividade em transformação, que exige formas abertas de escuta e expressão. O conceito de cristal de tempo, associado à ideia de uma ontologia da vibração, propõe uma realidade não estática, mas rítmica e processual, em que o ser se dá como fluxo e oscilação. Tal como os cristais de tempo desafiam a estabilidade newtoniana, os psicodélicos rompem com a rigidez da conectividade cerebral, abrindo espaço para reconfigurações do self e da experiência temporal. O cinema, por sua vez, surge como tecnologia privilegiada para pensar as relações entre movimento e tempo. A imagem cinematográfica, especialmente a imagem-cristal de Deleuze, não representa o real, mas o faz vibrar em sua multiplicidade temporal. Há, portanto, uma convergência entre cinema e psicodelia: ambos operam como máquinas de tempo, desorganizando a percepção ordinária e expondo o sujeito a uma experiência intensiva e desterritorializante. Assim, a imagem psicodélica apresenta-se como expressão ontológica da diferença para uma escuta filosófica atenta à sua potência transmutadora. Este artigo propõe uma reflexão interdisciplinar sobre as dimensões da imagem mental na psicodelia clínica, articulando neurociência, filosofia contemporânea e cinema.
Este artigo apresenta uma análise interdisciplinar que articula a produção artística de pessoas com autismo, o fenómeno dos estados alterados de consciência e o paralelismo com as práticas ritualísticas de “ mágicos” das tribos antigas. Em diálogo com as ciências das artes, a psicologia e a psicoterapia, propomos uma reflexão sobre a repetição de formas simples e do automatismo presente nas obras de pessoas com autismo, ressaltando a importância da educação artística como instrumento de expressão e de inclusão. A partir de uma revisão bibliográfica e dos dados recolhidos do estudo de caso realizado, investigamos como tais manifestações podem representar, simultaneamente, estratégias de auto-regulação emocional e evocação de dimensões ritualísticas e ancestrais do símbolo. Palavras-chave: Autismo; Estados Alterados de Consciência; Educação Artística; Automatismo.
POLÍTICA DA CONSCIÊNCIA E MEDIA IMERSIVA
Experiências inspiradoras e rituais estéticos podem induzir profundas transformações epistémicas, ao mesmo tempo que se cruzam com as estruturas de poder. Esta revisão examina diversos estudos de caso – desde rituais xamânicos amazónicos a artes em templos do antigo Egito, experiências surrealistas de sonhos, psicologia transpessoal e cibercultura de ficção científica – para compreender como as experiências planeadas de admiração e imersão podem transformar ou definir conhecimento e agência. Entre estes domínios, vemos um fio condutor: a "política da consciência" – a forma como os estados alterados e os sistemas simbólicos afectam as visões do mundo individuais e colectivas – entrelaça-se tanto com o mito espiritual, a realpolitik (o exercício do poder) como com os imaginários sociotécnicos. Destacamos exemplos de como as ecologias de arte-rituais sagrados e as técnicas mediáticas modernas servem como arquiteturas de transformação, aludimos às distinções entre experiências liminoides individuais, comunitárias e corporativas e, em seguida, exploramos como a admiração mediada pela tecnologia pode tanto elevar como minar a liberdade humana. O objectivo é elucidar como os rituais de admiração – incluindo os media imersivos emergentes – funcionam tanto como ferramentas de mudança epistémica como espaços de contestação política sobre o espírito humano.
A DECOLONIALIDADE NA AMAZÔNIA BRASILEIRA
O presente artigo faz uma análise da narrativa gráfica Ajuricaba, de Ademar Vieira e Jucylande Júnior em diálogo com a autoetnografia A Queda do Céu de Davi Kopenawa e Bruce Albert na qual propõe realizar uma teia de relações que enfatiza a complexidade e a interdependência dos elementos que dialogam em ambas as obras. A crítica ao desenvolvimento e à globalização, bem como à colonialidade do poder, são temas centrais que convergem na luta existente na narrativa gráfica de Ajuricaba. Sendo assim, foram utilizados como aportes teóricos deste artigo as terias de Escobar (2005) e Quijano (2005).
EXPERIÊNCIA MÍSTICA E ALUCINAÇÃO NA OBRA DE JOSEPH BEUYS
O presente ensaio visa apresentar aspectos místicos e dissidentes da subjetividade do artista Joseph Beuys, bem como a influência desses aspectos em sua obra. Ao lado da descrição de ações como a Sinfonia Siberiana e O Chefe, se observará a relação das expressões de Beuys com a antroposofia de Rudolf Steiner, a teologia de Jakob Böhme e as experiências místicas de Emanuel Swedenborg. As primeiras ações de Beuys surgem ligadas às manifestações antiarte e de contracultura do grupo Fluxus, mas desde o início, se diferenciam fortemente destas, tanto pelas próprias concepções do artista acerca da antiarte e da contracultura, quanto pela sua inspiração em experiências-chave pessoais e teorias místicas. Após a descrição das ações de Beuys se procede a análise da relação do artista com a teoria da trimembração do organismo social e os exercícios meditativos colaterais de Steiner. Em seguida, se observa a correspondência do pensamento ecológico de Beuys com o conceito de natureza no romantismo alemão e na teologia de Böhme. Uma análise comparativa entre as experiências místicas de Beuys e Swedenborg conclui esse estudo. Assim se poderá compreender as confrontações de Beuys com o racionalismo científico e o materialismo cultural, bem como as possíveis hipóteses psicanalíticas de seu misticismo. A imagem da personalidade do artista, articulada às suas concepções místicas, às suas alucinações psíquicas e à sua expressão artística mostra, nesse caso, um modo da relação entre subjetividade dissidente e contracultura no campo da história da arte da segunda metade do século XX.
O principal objetivo deste trabalho consiste na realização de uma análise estética e descrição filosófica das manifestações de luz e trevas nos horizontes da arte visionária em alinhamento com as ideias de Aldous Huxley e Laurence Caruana. Com base nos estudos iconográficos das obras de Coppo di Marcovaldo, François le Barbier, Pieter Bruegel, Marcello Provenzale, Gustave Doré e Ada Mangilli, nós pretendemos não apenas identificar as representações da luminosidade e da escuridão, mas também demonstrar as correspondências entre estas últimas com as imagens da vida e da morte, do inferno e do paraíso, em particular nas criações artísticas medievais e modernas. Desta feita, através de uma metodologia analítico-descritiva que combina experiência fenomenológica, investigação bibliográfica, leitura hiperfocada, abordagem hermenêutica, diálogos interculturais, pensamento crítico e escrita criativa sobre os temas selecionados, nós idealizamos obter, como resultado desta pesquisa, um entendimento mais profundo sobre a união das polaridades que está presente na atemporalidade do processo criativo dos artistas visionários. Em linhas gerais, ao interpretamos as iconografias de iluminação e ensombrecimento como representativas dos estados de espírito, sob os auspícios de uma filosofia da mente que reconhece a atividade criativa enquanto forma de cognição ampliada, onde o real e o imaginário se entrelaçam na jornada através de múltiplas esferas ontológicas, nós procuramos explicitar de que maneira se alinham os antípodas da consciência nas expressões do visionarismo.
O ETERNO RETORNO COMO AFIRMAÇÃO DA VIDA NA FOTOGRAFIA DE MASAHISA FUKASE
O presente artigo propõe uma reflexão sobre a obra do fotógrafo japonês Masahisa Fukase (1934–2012) e sua relação com os conceitos de Eterno Retorno e o Amor Fati formulados por Friedrich Nietzsche. Analisaremos como sua prática fotográfica pode ser pensada como uma resposta estética ao caráter trágico da existência. Para tanto, analisaremos a série Kazoku (Família), obra em que o fotógrafo volta ao velho estúdio da família para registrar as transformações provocadas pelo tempo. Nessa série que durou aproximadamente vinte anos, percebemos a repetição obsessiva de gestos fotográficos que revelam uma tentativa de fixar o transitório expondo, ao mesmo tempo, sua impossibilidade. A fotografia de Fukase é interpretada como ato de afirmação da vida, mas não como superação da dor. Por fim, propomos que a insistência de Fukase em fotografar até o colapso físico — culminando em suas últimas imagens desfocadas e fantasmagóricas — configura um pathos trágico: a aceitação do efêmero como única eternidade possível. Palavras-chave: Masahisa Fukase; Friedrich Nietzsche; Fotografia japonesa; Eterno Retorno; Amor Fati.
Este artigo aborda duas xilogravuras do artista Geraldo Trindade Leal (1927-2013) que representa as cenas ruais da sua infância e sua terra natal, com muita simplicidade por meio de suas linhas riscas com as goivas na madeira, em figuras dos Pampas Gaúcho, cavalos, ovelhas e peões em uma configuração expressionista, ou seja, suas figuras geram uma série de xilogravuras na década de 60 que mostram, claramente, a importância dada ao trabalho do peão gaúcho. Suas xilogravuras são espelhos da realidade do Pampa Gaúcho e seu povo.
MOÇA COM BRINCO DE PÉROLA OU TRANS-GREDINDO A ARTE DO GÊNERO
No presente texto, analisamos os diversos sentidos, a partir de distintas obras e gêneros artísticos do século XVII aos dias atuais, que o quadro Moça com Brinco de Pérola do artista holandês Johannes Vermeer foi tomando ao longo da história. Dialogando com categorias e autorias interdisciplinares, propomos uma discussão que leve em conta os efeitos do paradigma indiciário e dos regimes de visibilidade que operam nas representações de gênero da obra supracitada. Com isso, propomos outros olhares de Moça com Brinco de Pérola, a partir as perspectivas das artes trans, mas também as possibilidades de racialização do debate.
Este artigo investiga as possibilidades pedagógicas da série Sex Education na sensibilização de professores para questões de gênero e sexualidade no ambiente escolar, com ênfase no enfrentamento de violências vividas por estudantes LGBTQIAPN+. A pesquisa, realizada com professores/as de Arte do Núcleo Regional de Educação de Guarapuava (PR), utilizou grupos focais para explorar as percepções docentes sobre as representações midiáticas e suas relações com práticas educativas. Fundamentada em pedagogias culturais, a análise das falas destacou tanto resistências culturais e institucionais quanto o potencial transformador de narrativas audiovisuais na formação docente. Os resultados revelam que a série propicia reflexões críticas e contribui para a construção de práticas pedagógicas mais inclusivas, embora seu uso exija preparo e suporte institucional.
CENÁRIOS DE BELEZA COMO PORTAIS UTOPISTAS PARA RE-PENSAR A EDUCAÇÃO PELA ARTE RENASCENTISTA
Este artigo propõe uma reflexão poética-crítica-analítica a partir de um estudo sobre a arte renascentista e suas implicações na educação contemporânea, levando em consideração os ideais estéticos e pedagógicos, averiguando em que medida os ideais renascentistas-humanistas dos séculos XIV, XV e XVI motivam e inspiram práticas pedagógicas mais estéticas, sensíveis e emancipadoras no cotidiano escolar. Pautados na metodologia qualitativa, de base hermenêutica e narrativa, fundamentados pelas leituras filosóficas, sensibilizados por grandes pensadores como, Nicolau Sevcenko, Giorgio Agamben, entre outros, propõe-se uma análise das obras de Leonardo da Vinci, Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, Giotto di Bondone e Rafael Sanzio, ícones do ideal do Homo universalis, com o objetivo de investigar de que modo a escola do século XXI pode ressignificar o projeto formativo renascentista, articulando dimensões técnicas, criativas e humanistas. Conclui-se que a forte influência da arte renascentista reverbera na história da cultura, recupera os ecos do Renascimento sinalizando princípios para uma pedagogia da sensibilidade, da presença e da esperança.
MEMÓRIAS DA COZINHA: UMA VANITAS DE PAULO GAIAD
O artigo aborda uma pintura da série intitulada Memórias da cozinha, elaborada em 2007 pelo artista catarinense Paulo Gaiad, cujo simbolismo e visualidade, defendemos, aproximam-na do gênero da natureza-morta, especialmente do subgênero conhecido como Vanitas. Compelido em parte pelo contexto pluralista e de apropriação da pintura contemporânea, nesse trabalho o artista remobiliza e atualiza o gênero, que é tomado como um material ao lado de outros materiais da pintura. Para tanto, adota recursos como a colagem e a fotografia, alcançando um resultado que simultaneamente conserva e testa a tradição do gênero. Para discutir essas questões, procuramos investigar os modos operativos do artista, analisando a obra e comparando-a com outros exemplos do gênero, retirados da história da arte.
A XILOGRAVURA DE ILUSTRAÇÃO NA REGIÃO DO CARIRI E FORTALEZA
Estudamos aspectos estéticos e técnicos de produções de xilogravura de ilustração em anúncios comerciais nas regiões do Cariri e de Fortaleza entre 1900 a 1990. A fundamentação desta pesquisa, no que se refere a gravura está em consonância com Gilmar de Carvalho e Sebastião de Paula. Na análise de imagens Martine Joly. O questionamento principal deste trabalho foi: é possível que a produção da xilogravura de ilustração comercial tanto na região do Cariri cearense quanto em Fortaleza possa ter a mesma ou similar qualidade estética e técnica tanto quanto a considerada vertente artística? De forma geral procuramos investigar as características de algumas produções de xilogravura voltados para ilustração a serviço dos anúncios comerciais nas regiões do Cariri e de Fortaleza. Especificamente, estudar aspectos técnicos da produção da xilogravura de ilustração comercial na região do Cariri e Fortaleza; analisar de forma comparativa se as gravuras de ilustração possuem a mesma qualidade técnica ou similar nos aspectos estéticos de composição, de gravação e de impressão. Essa é uma pesquisa sobre arte com uma abordagem qualitativa, iniciada a partir de um levantamento bibliográfico em diferentes fontes: a) acadêmica: monografia, tese; b) livros; c) entrevistas semiestruturadas com artistas e professores de Arte do Crato, Juazeiro do Norte e Fortaleza e concluída com analise de duas imagens de xilogravura de ilustração comercial. Nas considerações finais, constatamos que gravuras de ilustração apresentam boa qualidade técnica, são bem adequadas aos temas empregados como material de divulgação; nos aspectos técnicos, estéticos não são inferiores as gravuras consideradas de arte, dessa forma não se tratam de uma expressão menor.
ARTE ANGOLANA CONTEMPORÂNEA, ENTRE O LOCAL E O GLOBAL
O texto que aqui apresento é fruto de pesquisa desenvolvida como parte de minha tese de doutoramento, intitulada Escarificações: espaço-corpo-memória na literatura e nas artes visuais angolanas (2001-2020) (Rodrigues, 2022). Partindo de um mapeamento realizado no ano de 2019, em Luanda, capital de Angola – o que incluiu caminhadas pelas ruas da capital do país e arredores, visitas a espaços culturais, vivências comunitárias, conversas e entrevistas com escritores, artistas, curadores, pesquisadores, professores, ativistas, etc. –, teço algumas reflexões sobre avanços e desafios que se colocam à cultura, à arte angolana contemporânea e aos seus atores e agentes, tanto no cenário local (pós-independente, pós-guerra civil e pós-socialista), quanto no contexto global. Destacando eventos fulcrais, como a criação da Fundação Sindika Dokolo e a realização da Trienal de Luanda, na primeira década do século XXI, os quais foram responsáveis por introduzir o país no contexto internacional das artes (dentro e fora do continente africano), apresento dilemas e ações culturais protagonizadas por artistas e outros agentes da sociedade civil inseridos numa capital marcada por séculos de colonialismo português, por cicatrizes da Guerra Fria em solo nacional e pelo sistema-mundo uno e desigual (Wallerstein, 2005), inclusive no campo da cultura.
NOTAS SOBRE A REDUÇÃO: CONTRIBUIÇÕES A UMA HISTORIOGRAFIA DA ARTE CONTEMPORÂNEA
Este artigo discute a ideia de redução como uma questão nocional da historiografia da arte contemporânea. Diante do premente debate acerca dos modelos de tempo e seus regimes na história da arte, a presente pesquisa busca identificar expedientes teórico-metodológicos atravessados por práticas artísticas da segunda metade do século XX, que implicam na noção de redução. Para tal, propomos, aqui, um recorte temporal que parte de Marcel Duchamp, na década de 1940, passando pelos textos de Clement Greenberg na década de 1950 e Barbara Rose nos anos 1960, até chegarmos no regime de temporalidade depreendido de Storia dell’Arte Contemporanea, escrito por Renato de Fusco em 1983. Estes textos permitem-nos refletir acerca da linha de redução transversalmente a uma crítica de modelos de temporalidade presentes no processo de historicização da arte contemporânea, levantando questões fundamentais à compreensão das tendências conceptualistas e da objetualidade desde a segunda metade do século XX.
FALSIFICAÇÃO E AUTENTICIDADE A PARTIR DAS RELÍQUIAS MEDIEVAIS
Este artigo analisa as origens históricas e conceituais da noção de autenticidade na arte ocidental, relacionando-a ao culto medieval às relíquias sagradas. Demonstra que a valorização do original e da autoria, e por consequência a reprovação das falsificações, é uma construção cultural. Por meio de exemplos notórios, evidencia-se a transposição da lógica religiosa para o campo artístico, na qual a sacralização laica do artista e da obra revela a transferência dos mecanismos de autenticação para o sistema das artes.
Este artigo investiga a obra da artista alemã Sibylle Ruppert, destacando-a como uma manifestação do grotesco que desafia e ultrapassa as classificações artísticas tradicionais por meio do obsceno, da violência e do absurdo. A partir de uma distinção com a biomecânica de H. R. Giger, o estudo propõe que o grotesco em Sibylle Ruppert não se limita à fusão entre orgânico e máquina, mas opera como um processo de desestabilização alinhado à heterologia de Georges Bataille. A análise articula o grotesco com os conceitos de informe e heterologia, com o propósito de demonstrar como a artista dissolve as fronteiras corporais para expor uma materialidade obscena e irredutível, abordada como “carne-em-excesso”. Por meio da análise de seus desenhos, especialmente as séries para o Marquês de Sade e Lautréamont, e da comparação com a lógica do “corpo anagramático” de Hans Bellmer, o artigo investiga como Sibylle Ruppert utiliza a fragmentação, a montagem e a metamorfose para criar um universo onde não há síntese possível. Conclui-se que a obra da artista alemã mobiliza o grotesco não apenas como excesso formal, mas como uma operação heterológica que encena o colapso da forma e da razão, transformando a fantasia onírica associada ao grotesco em uma vertigem de pesadelo, onde a única constante é a tensão irresolvível entre forças opostas.
Este artigo propõe analisar as ações políticas e sociais adotadas em tempos pandêmicos, estabelecendo para tanto um paralelo entre epidemia da AIDS e, recentemente, a pandemia do novo coronavírus, COVID - 19. A comparação propõe um olhar significativo sobre as relações humanas e suas culturas, os órgãos governamentais e suas políticas, além das ações implementadas em momentos de caos e medo social. Ao comparar as duas crises sanitárias, o artigo identifica padrões e recorrências na sociedade e nas políticas públicas, permitindo entender como lidamos com situações urgentes, e procurando também mostrar como as medidas adotadas em cada contexto frequentemente reforçam preconceitos, promovendo ações destrutivas e, portanto, ineficazes. Nesse cenário, a imagem fotográfica tem o papel de revelar outros significados. Pois a arte, ao longo do tempo, quer fosse uma pintura do século XVI, ou fotografias do século XX, tratou, de certa forma, de registrar e refletir as realidades próprias de cada época. Com isto, concluímos que o medo do contágio, o isolamento social, a solidão dos doentes e membros da família, bem como as reflexões sobre aspectos políticos e estruturais a partir das pandemias, não ocorrem de forma idêntica em todas as épocas, mas apresentam pontos de convergência a cada epidemia.
MEMÓRIA, IMAGENS, MELANCOLIA DE ESQUERDA E UTOPIA NO FILME TERRA EM TRANSE
O presente artigo tem como objeto analisar a noção de imagem, memória, melancolia de esquerda e utopia, refiguradas no movimento do Cinema Novo brasileiro e também inseridas na corrente do Nuevo Cine Latinoamericano dos anos 1960. Esses grupos cinematográficos tinham um viés político interessados em debater a realidade social no cinema e na transformação da sociedade capitalista. Para essa investigação escolhemos o filme Terrra em transe (1967) de Glauber Rocha, um dos mais representativos do dois movimentos, pelo fato das questões sociais e politicas e econômicas da América Latina serem abordadas de modo amplo e tocando em pontos comuns dos paises do continente, como fato de serem ex-colônias de paises ibéricos, considerados subdesenvolvidos e por fim a implementação de ditaduras militares nos anos 1960 e 1970, com o apoio dos Estados Unidos. Relaciona a análise fílmica com o instrumental teórico dos conceitos como memória e imagens em Maurice Halbwachs e Henri Bergson e de utopia que constam nas obras de Ernest Bloch, Walter Benjamin e Enzo Traverso, e nesses dois últimos incluimos também a noção de melacolia de esquerda. Esse acabouço teórico e empírico, abarca a compreensão do filme não apenas como um meio de difusão de ideias e de debates políticos, mas também como documentos depositários de derrotas, memórias e esperanças que possam mobilizar as expectativas de mudança no presente e no futuro.
O presente estudo analisa a polêmica envolvendo o mural artístico na área externa da Faculdade de Comunicação da Universidade Federal da Bahia, que retrata uma figura papal em contato com uma figura demoníaca, gerando debates sobre a liberdade de expressão artística e intolerância religiosa. A pesquisa objetiva compreender as tensões sobre o caso, empregando metodologia qualitativa baseada em análise documental de reportagens e manifestações públicas. Fundamentada em teorias sobre arte pública contestadora (Canclini, 2005) e estética da iminência (Canclini, 2012), a investigação evidencia como intervenções artísticas em ambientes públicos podem funcionar como catalisadores de debates sobre secularização, tolerância religiosa e os limites da provocação artística, contribuindo para o entendimento dos processos de negociação de valores em sociedades plurais.
Este artigo analisa o uso de elementos têxteis na obra da artista Claudia Lara, compreendendo-os como dispositivos poéticos que acionam questões de pertencimento, memória e identidade, com destaque para a ancestralidade de mulheres negras. Ao incorporar tecidos e linhas em sua poética, a artista ressignifica materiais historicamente confinados ao espaço doméstico e associados às mulheres de sua família – mulheres habilidosas nos trabalhos manuais, mas privadas do acesso à educação formal. Ao utilizar esses elementos em sua poética, a artista busca reinscrever essas mulheres na experiência expandida da arte, propondo novas relações de gênero e raça a partir de fotografias e memórias familiares. Considerando sua trajetória poética, este artigo fundamenta-se nos estudos de raça e gênero e, com base em documentos históricos e entrevistas, analisa os lugares da arte têxtil no campo da arte contemporânea, problematizando sua desvalorização histórica – intimamente ligada à naturalização das ideias de “feminino”.
Expediente Revista Art&Sensorium do Volume 12 do ano de 2025.
Este trabalho expande o gênero literário zuihitsu, apresentando o corpo como suporte e linguagem de uma escrita de passagem. Tal experimentação corpográfica foi registrada pela artista-pesquisadora Cassia Hosni, dando início ao processo investigativo para criação da dissertação-obra “Corpografias: incursão em pele imagem escrita pensamento”, que tematizou e problematizou o corpo do pensamento no âmbito das Poéticas Visuais
Editorial do Volume 12 referente às publicações do ano de 2025 da Art&Sensorium.
O CORPO, SUAS REPRESENTAÇÕES NAS ARTES VISUAIS E OS DIREITOS HUMANOS
O artigo tem por objetivo contribuir para a reflexão acerca da violência de gênero na arte através das lentes dos direitos humanos. O estudo parte do vandalismo ocorrido dentro do ateliê de litografia do Museu da Gravura de Curitiba, que consiste no ataque à matriz litográfica da artista Mara Cunha, que continha a imagem de um homem nu do tronco aos joelhos com semântica constituída no erotismo. O problema de investigação consiste na análise sobre a obra como uma possível crítica ao patriarcado e objetificação do corpo feminino. Pensar a tentativa de destruir o trabalho da artista envolve, necessariamente, o mergulho nos aportes, teóricos e práticos, dos movimentos feministas. O artigo utilizou a revisão bibliográfica e análise da obra vandalizada como metodologia para atingir os objetivos específicos. Da pesquisa realizada, foi possível inferir que adotar a identidade de artista feminista ou artivista, como fizeram as pioneiras desse movimento, é essencial no contexto atual, onde mulheres são invisibilizadas, caladas e assassinadas. Ao interseccionar a arte e os direitos humanos, são produzidas respostas que propiciam a liberdade poética, possibilitando à artista que teve sua obra vandalizada replicar a violência sofrida.
Este ensaio está estruturado pelas seções “Introdução”, “Procedimentos Metodológicos”, “Argumento” e “Considerações Finais”. Na Introdução, apresentamos a base teórica que fundamenta as reflexões e interpretações propostas, mobilizando a teoria do Imaginário a partir de Gaston Bachelard (1884-1962) e Gilbert Durand (1921-2012). De forma complementar, trazemos uma contribuição da filosofia a partir de Vilém Flusser (1920-1991). A seguir, descrevemos os procedimentos metodológicos utilizados no desenvolvimento do ensaio, que compreendem uma abordagem teórico-conceitual, seguida de um procedimento analítico, comparativo e interpretativo. Ao longo do Argumento, partimos da contextualização da Bienal de São Paulo, discutimos questões em torno do termo hegemonia e chegamos às interpretações sobre três obras apresentadas na 35ª Bienal de São Paulo, realizada em 2023. Por fim, seguimos para as Considerações Finais, em que mobilizamos a teoria do Imaginário para identificar, a partir das três obras interpretadas, a potencialidade do espaço da Bienal e do campo da arte para a ativação da imaginação, promovendo a diversificação do Imaginário. Buscamos entender como a produção de imagens dissidentes nessas três obras contribui para uma reação à tendência de produção e distribuição de imagens hegemônicas e homogêneas. Discutimos também, a partir de recursos hermenêuticos derivados da teoria do Imaginário, a importância dessa reação para a promoção de novos Imaginários possíveis. A principal contribuição do ensaio está na mobilização da teoria do Imaginário como recurso de interpretação para uma produção artística voltada para imagens digitais, abrindo caminhos para o aprofundamento dos problemas abordados.